Le chaos engendre souvent la vie, quand l’ordre engendre l’habitude.
Dans la période d’après-guerre, alors que la vie commençait à se rapprocher de quelque chose qui pouvait être considéré comme normal, l’économie civile a accéléré à la fois sa production et sa commercialisation avec des entreprises qui s’efforçaient de convaincre les consommateurs qu’ils avaient besoin du dernier et du meilleur produit que l’entreprise vendait. Cette classe moyenne en expansion pour combler le besoin d’une bureaucratie accrue et d’autres ouvertures de cols blancs créées par la flambée de la demande. Des millions de travailleurs commencent leurs journées en se rendant dans des immeubles de bureaux toute la journée, puis en rentrant chez eux pour se faire vendre les produits qu’ils ont passé toute la journée à vendre sur leurs téléviseurs.
Je ne peux pas dire que Playtime soit catégoriquement anti-consommateur, car cela impliquerait un niveau de colère qui n’est pas vraiment présent. Pour Tati, le consumérisme effréné et la bureaucratie en col blanc en plein essor sont vraiment idiots. La clé est que, bien que le film ait un niveau de mépris pour les divers gadgets et systèmes de la société moderne, il a une empathie illimitée pour les personnes piégées dans et avec eux. Il n’y a pas de buzzkill global d’une personne là-bas pour rendre tout le monde malheureux, juste un groupe de personnes essayant de passer leurs journées et de répondre aux attentes des autres.
Dans son magistral « Playtime », il transforme Paris en une ville ultramoderne remplie de structures et d’espaces immenses et les personnes occupant ces espaces forment une société de matérialistes et de consommateurs. Il n’y a pas de couleurs vives dans cette ville, il y a des bleus et des gris métalliques partout et il est difficile de trouver de vrais arbres et fleurs. Peu de gens ici et là dont l’aimable M. Hulot semble être une âme perdue dans ces immenses espaces modernes. Tout est en ordre ici et destiné à rendre les choses rapides, efficaces et confortables, mais quand vous le voyez de l’œil observateur de Tati, vous voyez autre chose. Ce genre d’ordre embrouille et rend les choses beaucoup plus complexes qu’elles ne le sont. Il fait tout cela avec un soin et une observation magistrale, mais en même temps très subtilement. Il n’essaie pas de nous montrer quoi que ce soit, il le voit aussi avec nous et est aussi confus, déconcerté et perplexe que nous. Plus que de l’humour, on retrouve ici un côté ludique dans l’observation de Tati, qui dit beaucoup de choses sans en dire grand-chose.
La vie moderne est déroutante pour Monsieur Hulot, un personnage chaplinesque dont l’héritage cinématographique est incarné par son agitation envers la bourgeoisie et le progrès technologique. Son aliénation dans la transformation rapide du monde cette fois-ci se retrouve en grande partie face à l’hégémonie capitaliste, que ce soit sous la forme des effets néfastes de la culture d’entreprise ou de l’architecture homogène d’une métropole imposante. Malgré le sentiment percutant de ces problèmes, l’approche de Tati est loin d’être cynique, car il insuffle du charme et de l’optimisme dans l’esprit du film.
Mais en fin de compte, c’est dans la nature humaine de faire des erreurs, de se retrouver dans le chaos, peu importe à quel point nous essayons d’établir l’ordre. Après tout, c’est ce qui nous différencie des machines. Alors là aussi, le chaos brise cet ordre absolu et géométrique et on voit les gens devenir beaucoup plus humains. Les humains n’ont pas besoin d’ordre pour s’amuser et se sentir. Le chaos donne naissance à des émotions brutes, des rires, des chants, des danses et à la vie dans sa plus grande forme.
Il ne montre cependant pas les gens du doigt, il ne nous reproche pas cette folie. La chaleur que Tati traite avec ses personnages – pour les gens en général, est belle. Même que Jacques Tati montre la hâte à l’intérieur des gens : tout le monde est agité et vit sans lien profond les uns avec les autres. Les gens s’appuient sur des coïncidences, des perceptions erronées et Tati semble les comprendre et montre le côté sympathique et humain des gens. Il s’occupe de la destruction de l’environnement et de l’habitat, mais ne blâme pas du tout les gens pour cela. C’était un humaniste qui avait encore foi en l’humanité.
Le changement d’habitat était un sujet commun à Jacques Tati, dont tous ses films traitaient. Mon oncle montrait ironiquement la folle technologie moderne, l’hystérie des consommateurs et la destruction de l’ancien habitat. Dans Jour de fête, il montrait une ville en train de s’américaniser et dans Les vacances de Monsieur Hulot, il dépeint avec ironie le tourisme de masse. Dans PlayTime, les thèmes de la mécanisation de la vie, de la mondialisation, de la destruction des anciennes valeurs fondamentales et de l’habitat ont été portés à un tout nouveau niveau.
Il évoque une toile de fond fascinante pour le déroulement de ce film, et le piège sans fin de l’étendue moderniste, et les personnages rebondissent dans ladite enclave comme s’ils étaient dans un labyrinthe. Ils bougent et émoussent de telle manière que le film agit comme un ballet piéton, capturant le regard fasciné par son recadrage esthétique du banal. Tati dresse un parallèle fascinant avec les atours littéraux de la société bourgeoise et urbaine en créant un beau piège. Il burlesques les échafaudages étouffants que nous utilisons dans une vaine tentative de donner à notre société brutale une façade d’humanité. Le consumérisme effréné et l’arrogance de la classe supérieure sont particulièrement exposés en tant que fonctions d’un ordre social, fondamentalement absurde. Tant de choses sont contenues dans ce dessin animé fluide, stylisé et vivant, et servent à faire du film une expérience unique et fascinante.
Un film magistralement conçu qui a laissé Tati en faillite, mais nous a laissé une vision absolument brillante et visionnaire de l’humanité dans ce monde en pleine modernisation où nous courons pour un ordre absolu et transformons le monde qui nous entoure en prisons high-tech et confortables pour nous-mêmes. Il est absolument fascinant de voir comment Tati utilise les espaces et les personnes qui occupent, se déplacent et existent dans ces espaces. Le son est également utilisé avec génie dans l’établissement du film.
Le film se joue parfois comme « Fenêtre sur cour » sous stéroïdes. En un sens, du fait de ses immenses cadres, le film regorge d’actions vues d’un point de vue un peu voyeuriste. Alors que Monsieur Hulot sert de centre d’intérêt dans son intégralité, le travail de caméra de Tati enregistre des événements comiques d’autres individus, construisant un grand opéra hilarant qui se nourrit d’un ordre chaotique. Une telle structure tentaculaire s’avérera enrichissante au fil du temps avec de multiples visionnages du film, car on est assurés de tomber sur une sorte d’œuf de Pâques qu’ils ont à peine remarqué la première fois.
On pourrait soutenir que l’objectif de Tati avec ce film est de perturber toute incarnation de l’uniformité ou de la conformité en se délectant de la spontanéité. Il est étoffé de manière articulée, en particulier, pendant la séquence du restaurant où chaque façade de mouvement ou de placement chorégraphié éclate en une erreur tumultueuse. Peu importe à quel point cette séquence est exaltante, son exécution ne serait pas aussi gratifiante sans la rigidité nette qui habite les autres configurations.
Il vaut la peine de souligner à quel point le genre d’équilibre Yin-Yang du chaos et de l’ordre crée un sentiment passionnant de comédie spontanée et donc d’utilité édifiante de la modernité en train de s’effondrer et de la montée de la postmodernité dans ses cendres irrationnelles et ambiguës ; le film pourrait être divisé en trois parties :-1) Un établissement de la modernité et de ses idéaux supposés vus à travers une lentille satirique, – 2) Le point culminant de la modernité et vitrine de la réalité instable de son idéal idéologique – la surconsommation insensée et le plaisir de l’illusion, – 3 ) La chute de la modernité et la montée de la postmodernité dans ses cendres de désordre embrassé (marqué par la géométrie plus colorée et multiforme des décors). Le tout dernier plan de l’autoroute et de l’aéroport à peine visible à cause de l’éclairage tamisé des lampes électriques pourrait éventuellement être la préfiguration d’un monde où l’attention est détournée de l’environnement sombre construit et plutôt centrée sur les réalités artificielles des médias électroniques. Cependant, il semble très ouvert à l’interprétation.
Tout en étant assez drôle, ce film a un sens, un thème central et un message derrière le plaisir. Ce que Tati est également capable de dire sur la société moderne et ses attributs est assez génial, d’autant plus qu’il est toujours d’actualité plus de 50 ans plus tard. Un espace de bureau gris terne et monotone, les inventions susmentionnées faites uniquement à des fins incroyablement spécifiques et assez insignifiantes, des avancées technologiques faites pour plus de commodité, mais ne créant que 3 inconvénients de plus qu’il n’y en avait au départ, des travailleurs qui se retrouvent sans rien faire ou trop à faire à la fois. Tout cela fait obstacle à la vraie beauté de Paris, la ville de l’amour, vue brièvement seulement dans les réflexions des personnages avant d’entrer dans la prochaine attraction secondaire.
Paris est une ligne grise et déprimante d’immeubles de bureaux en forme de dalles, tout en acier, en béton et en verre. Les gens se déplacent à angle droit et sont stoïquement et d’une manière amusante précise et exigeante dans leurs actions, même lorsque le but de leurs actions est inutile et inefficace.
Exemple concret, lorsque M. Giffard parcourt un long couloir pour montrer Hulot dans la salle d’attente juste à côté de lui – alors que le portier se tient là à regarder. Au fur et à mesure que le film avance, les choses se détendent progressivement. Il passe de l’immeuble de bureaux à une exposition de produits de consommation qui est intrinsèquement un peu chaotique et a un excellent travail sonore avec des portes qui claquent silencieusement. Mais même lorsque Hulot rencontre un ami et le rejoint dans son appartement pour boire un verre, tout reste terne et pareil. La séquence de l’appartement est filmée de l’extérieur, avec les quatre unités que nous voyons orientées de la même manière, avec de grandes baies vitrées nous transformant en voyeurs regardant les personnages regarder la télévision – comme un acte d’accusation du public comme un film aussi doux que Playtime va le faire avoir.
C’est dans la séquence du Royal Garden club que l’humanité rattrape enfin la bienséance. Le Royal Garden en est à sa première nuit d’exploitation, et alors que les travailleurs se précipitent pour terminer la construction de dernière seconde, les invités arrivent. Toute la journée, la ville a essayé de garder les gens dans les rangs et de les maîtriser, mais ce n’est pas comme ça que les humains sont. Vous finirez par en avoir quelques-uns dans un bon endroit, passer un bon moment, et le chaos va se produire. Au fur et à mesure que les choses déraillent, de plus en plus de couleurs, sont introduites dans le film – les costumes d’affaires calmes du début de soirée cèdent la place aux plaids et aux motifs colorés des arrivants tardifs – et tout le monde s’amuse visiblement beaucoup mieux.
Cependant, je note qu’il y a froideur établie dans Mon Oncle qui fait un retour dans Playtime, seulement elle est maintenant pleinement réalisée et équilibrée par le même cœur aimable trouvé dans les vacances de Monsieur Hulot. Jusqu’à présent, en parcourant la filmographie de Tati, je l’ai trouvé à la hauteur de ses louanges tout en me laissant déçue. La seule exception étant les vacances de Hulot. Je suis heureuse que Playtime ne soit pas seulement à la hauteur de sa réputation, c’est aussi une expérience de visionnage incroyable. Et je pense que ce film, bien qu’il soit un chef-d’œuvre, pourrait ne pas recevoir immédiatement l’accueil qu’il mérite si c’est le premier film de Tati que l’on voit. C’est un peu difficile de « l’obtenir » sans recommencer depuis le début.
Si vous regardez son évolution en tant que cinéaste et voyez comment il a réalisé sa vision à chaque étape de sa carrière, vous verrez clairement Playtime pour le génie qu’il est. Playtime est jovial, mais sévèrement critique des conventions modernes et du consumérisme. Une anxiété calculée est présente tout au long de son exécution, mais qui est précisément contrebalancée par son humilité et sa célébration ludique de nos propres absurdités.
En tant que récit, PlayTime, comme les autres œuvres de Tati, est clairsemé. Mais ce qu’il maîtrise vraiment à ce stade de sa carrière, c’est l’organisation du chaos. Rare est un moment qui ne propulse pas un personnage ou une action vers une autre action ou réaction. Chaque action a une conséquence, et chaque conséquence a un gain, grand ou petit. Si je pouvais catégoriser ce film, je ne pense pas que je pourrais même dire que ce n’est qu’une comédie burlesque comme je le pourrais avec les trois premiers longs-métrages de Tati, c’est plutôt si le genre musical du jazz devait être adapté à un contexte cinématographique.
Ce que je trouve aussi si intriguant dans ce film, c’est que Tati compare et oppose maintenant, directement les attitudes franco-eurocentriques à l’exceptionnalisme américain, en particulier dans la façon dont ils consomment pour vivre et vivent pour consommer. Présent ici est une façade de fonctionnalité, une esthétique pour cacher les réalités profondément dysfonctionnelles derrière ce que nous consommons, souvent que nous nous disons est pour « l’illumination culturelle » mais n’est en réalité qu’une extension du désir humain égoïste et matérialiste. Une série déconnectée de fils multicolores suspendus aux murs de chaque décor principal du film sert de métaphore appropriée pour cela. Il y a tellement d’autres couches que j’aimerais disséquer plus tard : l’utilisation de découpes en carton pour les figurants dans le premier acte, l’utilisation de la forme et de la couleur dans la mise en scène, les luminaires pratiques, le son, conception, etc.
Les personnages, si l’on peut même les appeler ainsi, ne sont que des descripteurs, dépourvus de toute forme d’identité et de définition. Cette mécanique absurde de logique onirique s’étend également à la sélection de plans, dans laquelle aucun plan rapproché ni même moyen n’est utilisé. Nos yeux parcourent constamment le cadre à la recherche d’une sorte d’ancre ou de forme, mais n’en trouvent souvent aucune, nous encourageant en tant que spectateur à nous perdre également dans la mêlée.
C’est quintessence de la satire intelligente de Tati sur la bourgeoisie et la modernité. Cette entrée prouve une fois pour toutes que ce cinéaste de génie se tient aux côtés de grands-maîtres tels que Keaton et Chaplin dans le genre de la comédie. Les idéaux et les motifs des deux films précédents sont exacerbés au maximum, offrant un spectacle visuel audacieux et sophistiqué qui repose sur un langage corporel parfaitement chorégraphié, une scénographie méticuleuse et un scénario très spirituel. Parfois dans la vie, comme la séquence du restaurant, derrière beaucoup de façade et de splendeur, tout tombe en morceaux.
J’avoue avoir un gros faible pour Mon Oncle et je pense que c’est peut-être mon Tati préféré. C’est tout de même son chef-d’œuvre. L’échelle et les détails élaborés de cela uniquement pour les gags visuels sont incroyables. Tout revient à un moment donné, a une histoire derrière ou vous fait simplement rire. Chaque personnage est une pièce de cet échiquier géant de brillante comédie visuelle et chaque pièce parvient à fonctionner simultanément comme sur des roulettes. Paris est là, certes, mais souvent dans les reflets d’un paysage industriel plus vaste. Celui qui est presque post-apocalyptique dans sa gloire utopique dysfonctionnelle. Agissant à la fois comme un acte de commentaire sur la ruine des grandes villes et une lettre d’amour à leur énorme merveille élaborée. Tati est brillant dans le sens où il voit l’équilibre merveilleusement absurde entre l’inutilité de certaines avancées technologiques, mais aussi l’humanité qu’elles peuvent apporter au sein de communautés plus larges.
Après une longue journée d’errance dans le labyrinthe de la société moderne et une nuit épuisante, Tati est toujours capable de rassembler une fin heureuse qui vous laisse vous sentir bien et bien au chaud à l’intérieur. Bien que la société moderne puisse sembler effrayante ou peu accueillante, tout n’est pas perdu. La fin vous emmène à travers la magie de Paris dans l’une des expériences les plus agréables du film. C’est un mélange de couleurs, de musique, de vues et de sons qui montre qu’il reste encore de la beauté et de l’espoir dans le monde. Playtime est une expérience magique qui ne ralentit jamais une seule fois et vous n’arrêtez jamais de rire ou de penser tout au long de l’exécution. Un film à revoir à l’infini.
Mais la seule chose qui rend Playtime si spécial, c’est la vie qui s’en dégage. Jacques Tati est capable de trouver des crevasses de joie dans le monde ultramoderne compliqué dans lequel nous vivons et de célébrer ces moments. Au moment où la fin du film se déroule, Tati immortalise ce sentiment avec un carnaval de Trafic. Il recontextualise quelque chose qui serait normalement considéré comme un aspect négatif de la vie moderne et en fait ressortir l’amusement. Un regard enchanteur et original sur toutes les idiosyncrasies minutieuses et frivoles (kafkaïennes) du monde « moderne ». Avec une cinématographie magnifique et une subtilité comique savamment concoctée, Jacques Tati présente une représentation sans compromis de sa vision fascinante. Malgré l’intrigue sans réserve sinueuse, à la fin, le film se fond pour former une démonstration cohérente et convaincante.
J’ai maintenant une forte envie de retourner immédiatement à Tativille, d’être enveloppé et de m’égarer dans sa belle et aliénante étreinte.
La Bande-Annonce du film :
