Il n’y avait ni raisins, ni colère, mais il y avait du communisme.
Peut-être le film le plus mature et le plus cohérent sur le plan artistique de John Ford. Il se concentre sur le simple problème des gens ordinaires qui essaient de vivre dans le monde quand ils sont devenus superflus pour leur société. Le film est sobre, direct et beau, comme le sont souvent les films de Ford, mais il est absent de toute explosion ou sentimentalité ou du relief comique maladroit qui, à mon avis, place trop souvent un astérisque à côté d’eux. Le film est sobre et sérieux mais pas déprimant ; ce n’est pas un exercice de voyeurisme misère. Ce ne sont pas des gens sinistres, ce sont des gens dans des circonstances sinistres, et ils sont présentés avec sympathie et sans condescendance.
John Steinbeck n’était pas intéressé à noyer son public dans une mer de prose opaque ou à le perdre dans un labyrinthe d’idées intelligentes. Au lieu de cela, il a simplement placé les bons mots dans le bon ordre pour créer des phrases claires et élégantes qui vous ont conduit vers la vérité dans ses histoires. Steinbeck a compris le génie de la simplicité. John Ford l’a compris aussi et s’est donc révélé être un excellent choix pour réaliser l’adaptation à l’écran du roman le plus célèbre de Steinbeck. Ford n’a pas emballé le film avec un symbolisme dense ou des angles de caméra géniaux. Au lieu de cela, il a cadré chaque plan simplement, a joué chaque scène à sa longueur parfaite et les a placées dans le bon ordre afin que la puissance et l’éloquence de la fureur mesurée de Steinbeck transparaissent.
Les Raisins De La Colère contrastait avec de nombreux films sortis à la fin des années 1930 et au début des années 1940. Alors que de nombreux cinéastes populaires de l’époque utilisaient le cinéma comme une forme d’évasion, le réalisateur John Ford souhaitait plutôt attirer l’attention du public vers le sort des familles les plus pauvres et les plus pauvres affectées par la Grande Dépression. Alors que les films de cette époque, jusque-là, étaient considérés par beaucoup comme des évasions des difficultés socio-économiques provoquées par la Grande Dépression, le film offre plutôt une perspective plus humaine sur la souffrance provoquée par ces conditions, en particulier le Dust Bowl. Il explore des thèmes pertinents tels que l’inégalité de classe, la brutalité policière, la justice et la moralité d’une manière ancrée et sérieuse qui n’était pas largement vue dans le film à cette époque, et cela, grâce à la direction profonde de John Ford, au travail de caméra austère et aux performances incroyables du casting principal.
Des personnages moulés par l’espace qui les comprime, les transformant en choses à demi éclairées, transfigurées par un vent coupant, par l’âge qui ajoute de l’aspérité aux visages et par une faim qui fait rire de réserve les quelques moments de communion, fussent-ils ceux de dîner autour de la table de famille ou ceux du festival de danse.
Si certains peuvent faire remarquer qu’il s’agit d’un film quelque peu collectiviste, on gagnerait beaucoup plus à l’interpréter à la manière de l’individualisme de Victor Hugo, par exemple, plutôt qu’un film à caractère révolutionnaire. En ce sens, il est un peu plus conservateur que certaines interprétations hâtives ne le prétendent. Si Ford s’approprie le travail de Steinbeck et filme la Grande Dépression comme un facteur de domination Des Misérables plusieurs par quelques-uns, cela est principalement dû à sa motivation de mettre à l’écran comment la faim et la pauvreté donnent lieu à la destruction de la tradition et des familles : là où avant il y avait l’affection et la construction de la solidarité, concrétisée dans les maisons familiales, il ne reste plus que de la terre, des tas de planches de bois et un vent hurlant qui pleure et hante.
Le film est une adaptation tout à fait respectable et toujours accomplie du célèbre livre sur une famille Oklahomane forcée par les circonstances à migrer vers l’ouest et à devenir des travailleurs de terrain migrants. Le roman de John Steinbeck est l’une des pierres angulaires de la conscience libérale du pays, et Ford commence à transmettre des messages libéraux à partir de la toute première scène, dans laquelle le condamné récemment libéré Tom Joad (Henry Fonda, dans une belle performance) fait appel au sentiment de compassion d’un étranger. Et fait du stop au mépris de « l’homme ».
Cette notion de « l’homme » est perceptible partout, ici. Il n’y a personne pour que les métayers rejetés du Dust Bowl menacent avec leurs fusils de chasse parce qu’il n’y a personne à blâmer pour les échecs du système. Pour lutter contre ce sentiment de désespoir, le film, comme le roman sur lequel il est basé, adopte un sens de solidarité de plus en plus explicite. Le solitaire Tom Joad est le seul personnage au début, mais il commence bientôt à accumuler des amis, puis se renoue avec sa cellule familiale, qui, en tant que collectif, devient alors plus important pour le film que Tom ne l’est en tant qu’individu. Enfin, dans l’appel final de Tom à la solidarité entre les ouvriers, il est suggéré que notre concentration dépasse la cellule familiale pour aller vers une conscience sociale plus large et plus universelle.
Basé sur un roman politique initialement conçu pour promouvoir le bon travail accompli par le biais du programme de camps sanitaires transitoires du département américain de l’Agriculture basé en Californie, le film remplit les objectifs politiques de Steinbeck sans sacrifier sa nouvelle fonction d’édification à la hollywoodienne. Lorsque le scénario demande aux téléspectateurs de détourner notre attention de la famille Joad et de la nécessité d’organiser le travail, les scènes sont dramatisées assez intelligemment (par exemple, avec désinvolture, la menace du communisme est présentée comme un stratagème) que l’édification ne fait pas ne gêne pas l’intrigue. Tom est pris dans une lutte à laquelle il ne croit pas, mais au fur et à mesure qu’il apprend de sa situation et commence à se tourner vers la cause, c’est pour ces raisons là que cela devient évident pour le public. Les choses semblent sombres dans la dernière scène du film, mais l’optimisme politique de Tom permet au film de se terminer sur une note quelque peu optimiste, précisément parce que le film a fait un excellent travail pour politiser l’histoire personnelle qu’il raconte.
Du point de vue marxiste que Steinbeck a utilisé pour écrire, le roman, Tom Joad est le protagoniste, mais les deux personnages les plus importants sont Ma Joad et Casey le prédicateur. Ma représente ce que Marx a appelé la « fausse conscience », la tendance à attribuer notre misère à nos propres défauts, à la malchance ou à la volonté de Dieu. La solution de Ma Joad est rétrograde : maintenir la «famille» ensemble. Casey, en revanche, découvre la « conscience de classe ». Ce n’est pas de notre faute. La faille est systémique et la solution consiste à corriger les inégalités du système. Notre allégeance doit transcender les groupes comme la famille et embrasser tous les travailleurs exploités. Le film n’approuve pas la révolution de Marx, mais une forme plus douce de socialisme – le camp de travail dirigé par le gouvernement avec ses « unités sanitaires » démocratiques, et le mouvement syndical émergent avec sa négociation collective. La polémique de Steinbeck est plus acide.
Le roman fait référence au très riche William Randolph Hearst (Charles Foster Kane si vous préférez) qui est décrit comme ayant «un visage méchant et une bouche comme un trou ». Il n’y a pas beaucoup de références au communisme dans le roman ou dans le film, juste quelques remarques sur « Qui sont ces rouges, de toute façon? »
Certains défauts nuisent, mais pas fatalement, à l’expérience. Il y a beaucoup de représentations théâtrales ici, mais quelques-uns des acteurs – en particulier Jane Darwell et Charley Grapewin dans le rôle de Ma et Grand-père Joad – sont clairement suractifs. Il y a là aussi l’idée troublante que c’est la souffrance à laquelle les Joad font face est ce qui les ennoblit. Trop souvent, la familiarité de la structure narrative crée un niveau de confort qui supprime le sentiment d’indignation que le public pourrait ressentir en voyant l’injustice sociale. Les flash-back du premier acte ne coulent pas aussi bien que le reste du film.
C’est une scène de séparation résolument différente de celle du roman, et cela pourrait être dû au fait que la part de Rosasharn est considérablement réduite par rapport au matériel source. On ne peut nier que sa relation avec Ma Joad ne résonne pas ici autant que, Tom et Casy. Ce n’est pas accablant, même si cela rend le discours final de Ma sur les différences entre la perspective féminine et masculine quelque peu déplacée. Il faut aussi dire que sa finale, « Je n’aurai plus jamais peur », se sent forcée dans tout sauf dans le sentiment de nostalgie et de perte qui entoure le sentiment. Ici, plus que partout ailleurs dans le film, nous obtenons des valeurs qui appartiennent plus à Ford qu’à Steinbeck.
Ce sont de petites plaintes puisque Les raisins de la colère fait en grande partie un grand roman fier (bien que dans les contraintes du cinéma hollywoodien de l’époque). Par exemple, il y a plus de tension réelle dans la scène de danse du film que dans celle du roman. Le niveau de confort limité de la famille Joad est encore plus facile à apprécier lorsqu’elle est représentée sous forme d’images, et lorsqu’une situation, renforcée par les compétences considérables de Ford en tant que réalisateur, la menace, il y a un sentiment d’injustice plus palpable que la plume de Steinbeck.
Le coup de sifflet du train au loin et la reprise de «Red River Valley» dans la scène finale de Tom sont clairement des touches Fordiennes qui ajoutent une marque de poing qui n’est possible qu’au cinéma. Les choix de réalisateur ici sont plus évocateurs de l’ambiance que le dialogue (convenablement) inarticulé que les personnages parlent, et rappellent une fois de plus au public le type de directivité émotionnelle qui est plus facilement atteint dans les médias filmés que dans les écrits. Le plus important de tous, cependant, est que Ford transmet le message de Steinbeck intact. Ce Tom dit toujours : « Un homme n’a pas sa propre âme. Juste un morceau d’âme qui appartient à tout le monde », et le fait sans forcer le problème, est la principale réussite des raisins de la colère.
Je suis sûre que beaucoup pourraient prendre un angle politique en discutant du roman de John Steinbeck, qui était la base de ce film, mais je pense qu’essayer de le qualifier de gauche ou de droite serait de tuer vraiment les significations les plus profondes du film. L’histoire est assez simple car une famille pauvre de l’Oklahoma est expulsée de sa terre et décide de voyager vers l’ouest où elle pense que beaucoup de travail les attendra. La famille part pour une vie meilleure, mais elle est bientôt frappée de chagrin après l’autre.
Ayant regardé cela pour la première fois pendant le premier confinement ce qui m’a vraiment frappé, c’est le message simple de l’histoire et les tons plutôt simples que Ford utilisait pour faire passer ces messages. Ce n’est certainement pas un film qui vous prêche, mais en même temps, il est impossible de ne pas ressentir profondément ce qu’il dit car le film montre parfaitement tout ce qui est génial à propos de l’Amérique et ce qui est mauvais à ce sujet. Il y a tellement de classiques. des moments marquants de ce film dont beaucoup d’autres sont simplement négligés ou ne font jamais vraiment l’objet de discussions.
Je ne pense pas qu’il y ait de toute façon à nier le vrai pouvoir car c’est presque ce qu’on appellerait le film parfait. Tout sur le plan technique est de premier ordre et vous n’allez certainement pas trouver beaucoup plus de films avec des performances aussi formidables par un casting entier. Certains pourraient essayer de le déchirer pour des raisons politiques, mais ce serait vraiment dommage et cela ne montrerait que les défauts dudit spectateur et non le film lui-même.
